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COMPLEMENTO. "ENTRE LINEAS". FEBRERO DE 2016.

"AL NACER EL DIA". GORAN PASKALJEVIC. (2012).


                  



           Partitura inacabada. Judios serbios. Campo de concentración. Belgrado y Segunda guerra Mundial. Descubrimiento de la verdadera identidad de un profesor de música 70 años después. Partitura inacabada. Vidas truncadas las de los padres del hombre del hombre al que han ocultado el hecho del que se tiene conocimiento y que remueve su mundo introspectivo. Recuerdos, imágenes, composición de una nueva sinfonía vital después del descubrimiento de un pretérito inesperado. Simbología en clave poética acompañada de fotogramas coloristas en línea acorde con el claroscuro temático por el que se desarrolla la trama. Nieve, oscuridad, ausencia de lenguaje. Silencio como momento álgido en la comunicación(interior/interpersonal). La música como componente que trasciende el tiempo y humaniza el entorno más allá de debilidades y pasiones. Impotencia ante las vicisitudes de la realidad cuando la voluntad de iniciativa choca con la dejadez/incomprensión de los sujetos que rodean al protagonista. Filosofía del abandono vivida desde la sabiduría de la soledad que resiste a las circunstancias hostiles. El universo circundante propicia un exilio interior como origen para el  nacimiento desde él  hacia lo externo de algo que entronque con un SENTIDO que destierre el halo hiriente del dolor. Con esfuerzo, el resultado global es satisfactorio.

            Goran Paskaljević, en serbio cirílico: Горан Паскаљевић (Belgrado, 22 de abril de 1947) es un director de cine serbio. Criado por sus abuelos en Niš por el divorcio de sus padres, regresó a Belgrado cuando tenía 14 años, comenzando a trabajar en el cine de su padrastro. Graduado en la Escuela de Cine de Praga (FAMU), sus primeros pasos en el mundo de la dirección cinematográfica se toparon con la censura comunista checoslovaca, hasta el punto de que su primera película, Pan Hrstka, fue prohibida. Ha dirigido asimismo varias películas documentales y dramas de televisión.
Sus largometrajes han participado en festivales de cine como el de Cannes, San Sebastián, la Berlinale o la SEMINCI, siendo el director que mayor número de espigas de oro de este último festival atesora, con un total de tres.




                 "EL MUELLE DE LAS BRUMAS".  MARCEL CARNE. (1938).

       

   



                   Jacques Prévert, poeta, artesano de la palabra con alevosía, hizo el guión; Marcel Carné, director de cine, artesano de la imagen con premeditación, hizo la película. Niebla, sentimientos poco nítidos en momentos concretos del relato. Sentimientos claros, en clave poética(guionista obliga) en panorama fílmico de riqueza verbal/visual. Realismo poético. Amor belleza en idea platónica que se materializa, cuando ocurre, en vida frente al amor en lo cotidiano que, de una forma u otra, desemboca en la finitud. Prévert ya lo dejó plasmado en otra obra junto a Carné,"Los chicos del paraíso". El existencialismo, en estas ocasiones, tiene un matiz poético que supera las hojas muertas del devenir material-vital. La línea que separa el Bien del Mal es débil, de duración efímera, donde los fotogramas dejan una impronta de esperanza y desolación. Lenguaje figurado de lo que podría haber sido y se quedó en un anhelo ya inalcanzable. Registro fílmico con argumento similar a otro digno e interesante trabajo del autor francés, "Tres habitaciones en Manhatan", donde el amor ejerce de protagonista dentro de la soledad humana y sus infortunios que postergan y dejan sis posibilidades de reacción a esa levedad llamada ser humano. Huida del entorno con presencias que recuerdan la imposibilidad de un mundo pleno donde el fastasma que da miedo de la soledad queda superado por alguna presencia imprescindible. Ambientes sórdidos en esencia que se camuflan de lo que son y consiguen acercarse a un tiempo de esperanza con la voluntad de apuesta por lo novedoso y complicado de obtener..  "Ni bares ni música, nunca estaremos SOLOS". Fin de película y punto final a la reflexión sobre seres de incomunicación y fracaso, salvados por la apuesta por la POESIA y el riesgo a lo desconocido aunque premeditado. Surja la flor, si surge, con olor fresco y bálsamo de libertad. En fin, Marcel Carné. Siglo pasado.

                    Marcel Carné (París, 18 de agosto de 1906 - Clamart, 31 de octubre de 1996) fue un destacado director de cine francés. Inició su carrera en el cine mudo como ayudante del director Jacques Feyder. A los 25 años había dirigido ya su primera película, que marcó el inicio de su colaboración con el poeta y guionista Jacques Prévert. Esta colaboración se prolongó por más de doce años durante los que se realizaron películas que preludian lo que es el cine francés actual. Bajo la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial, Carné trabajó en la Francia de Vichy pero donde se rebeló contra los intentos del régimen de controlar el arte. Ahí filmó la que está considerada como su obra maestra Les Enfants du paradis. A finales de los años 1990, esta película fue considerada como la mejor película francesa del siglo en una votación en la que participaron 600 críticos y profesionales del cine francés.
Durante la posguerra, Carné y Prévert realizaron la que fue en ese momento la producción más cara de la historia del cine francés Les Portes de la nuit que no tuvo el éxito esperado en taquilla. Este fracaso supuso el fin de la colaboración entre ambos artistas.

                         
                       
                       La aparición de sentimientos es consustancial al buen desarrollo del discurso fílmico. Hay una relación directa entre el buen hacer(interpretación) y el resultado final de consecución del fin propuesto. El actor y el teatro mantienen un vínculo directo que hace del cine receptáculo de arte escénico. Charles Laugthon y Maureen O'Hara en "Esmeralda la zíngara" de William Dieterle visualizan un canto de fraternidad, contrapunto a la fealdad y miseria de ambientes sórdidos(Victor Hugo). La donación gratuita equilibra los desajustes humanos desde la estancia del amor. Supera al respeto porque se involucra en la necesidad de trabajar en pro de la presencia del otro estancado en lo convencional. El sujeto adquiere categoría de totalidad y de compromiso más allá de la conceptualización de objeto abstracto en el movimiento   social. El respeto es aséptico e inmóvil; la fraternidad, colorista, ataráxica y con dinamismo que enriquece el significado interrelacional.

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